La materia de trabajo principal del artista son los códigos culturales. Es indispensable entender esto para saber lo qué es el arte conceptual: Las técnicas y los materiales del arte son accesorios, más no necesarios.

El artista no basa su trabajo en las pinturas, la piedra o madera para la escultura, la cámara fotográfica o los colores. Siendo así, el arte conceptual reduce al mínimo la obra de arte; ese mínimo es el concepto.

Podríamos definir al arte conceptual de la siguiente manera:

El arte conceptual es una metodología de trabajo en las artes visuales donde las acciones, los objetos, las instalaciones o los documentos se conciben sólo como un vehículo para la presentación del mensaje de la pieza.

Deca

Como tal, el arte conceptual:

• Reduce a su mínima expresión visual a la obra de arte, quitándole a la pieza su valor expresivo estético que apela al sentido de la vista, para volcarlo a su centro mismo: los códigos culturales de los elementos que integran la obra.

El máximo logro del arte conceptual es haber demostrado que:

• Los materiales y las técnicas del arte son accesorios mas no necesarios

https://youtu.be/IZlAUvSi6aI

La naturaleza conceptual del arte

Todos los tipos de arte, presentes, pasados y futuros, son conceptuales:

• Cualquier obra de arte necesita utilizar los códigos culturales de la sociedad en la que se inscribe para poder ser entendida.

Pero para poder comprender la naturaleza del arte conceptual es necesario entender primeramente 3 cosas:

1. El mundo está estructurado a través de códigos culturales.
   • Todo lo que percibimos, todo aquello con lo que interactuamos ha sido etiquetado a través de la abstracción de la colectividad humana.
   • No hay cosa en el mundo que no esté atravesada por la percepción humana y que no haya sido conceptualizada e introducida en una convención social.
2. Todos los individuos interpretan el mundo que les rodea a través de códigos culturales.
   • La forma en que se entiende el mundo de manera personal, está ligada al contexto cultural en el que estamos inscritos como individuos sea en una época, un área geográfica, una generación, un grupo socioeconómico, etc.
3. El artista de cualquier estilo, de cualquier época, debe conocer los códigos culturales con los cuales se construye la sociedad para la que creará la obra.
   • Sin un entendimiento concienzudo y claro de los códigos culturales que construyen la cosmovisión del grupo social para el cual se creará la obra, y sin el conocimiento de cómo los individuos de ese grupo perciben esos códigos culturales, el artista no podría realizar su obra adecuadamente.

Entonces, podemos entender que el arte no es un lenguaje universal porque todo lenguaje está adaptado la cultura que lo genera y cada cultura tiene sus códigos culturales mismos que se van transformando a lo largo del tiempo.

Así pues los códigos culturales de una región pueden ser distintos a lo largo de su historia; mutan con el tiempo.

Ahondando más en la labor del artista debemos tener en mente otros 4 aspectos de su trabajo y su modo de producción independientemente de épocas o tipos de arte.

El artista para concretar la producción de una pieza de arte debe hacer lo siguiente:

1. Seleccionar los códigos culturales que va a utilizar en la obra de arte
2. Estructurar una jerarquía de códigos para la obra
3. Construir una composición para su manifestación en la pieza
4. Materializar los conceptos en la pieza a través de las herramientas a su disposición.

Todo esto tiene relación con la manera en que funciona la comunicación en el arte.

¿Qué es el arte conceptual en una obra de arte clásica?

Ejemplificamos esta situación de los códigos culturales y los conceptos adaptados a las obras de arte con una pieza pictórica, la cual no por ser figurativa es entendible dada la complejidad conceptual con la que fue cargada.

 

Esta obra es «San Jorge y el Dragón» realizada por Rubes, sin embargo a lo largo de la historia del arte se ha representado esta leyenda en varias ocasiones en varias regiones del mundo, especialmente occidental.

La obra representa la leyenda de San Jorge, un caballero que libera a una ciudad de un dragón que les impedía abastecerse de agua. Para poder obtener el agua debían ofrecer en sacrificio un cordero, hasta que un día les fue solicitado sacrificarse a una doncella virgen, momento en el cual se presenta este santo para salvar el día.

Como toda obra de arte tenemos diferentes niveles de lectura:

• Lectura visual: Lo que vemos de hecho es una persona en armadura, montando un caballo blanco y a punto de dar un golpe final a un monstruo que ya tiene atravesada una espada. Detrás del caballero está una doncella sujetando a un cordero.
• Lectura inferida: Lo que podemos asumir de lo visto sin conocer ningún simbolismo es que esta obra nos presenta al clásico caballero rescatando a la doncella en peligro demostrando su valentía al vencer a un terrible monstruo maligno.
• Lectura codificada: En esta obra tenemos muchos simbolismos obtenidos, si lo analizamos por capas, de muchas fuentes tradicionales cristianas, paganas y mitológicas, pero nos centraremos en los códigos cristianos.
  • El dragón: En la tradición judeo-cristiana el dragón es una representación del diablo.
  • El cordero: En la tradición judeo-cristiana es el animal predilecto para el perdón de los pecados a través de su sacrificio; ya  para la tradición cristiana representa al Cristo que muere en la cruz.
  • La doncella virgen: En la tradición cristiana, la iglesia, los miembros en ella, son la novia de cristo y como tales, llegado el momento se casaran con él, en lo que se conoce como “Las bodas del cordero”.
  • El caballero en corcel blanco: Es la representación del mensajero de Dios que combate el mal y lleva la salvación por el mundo.

El mensaje completo obtenido a través del análisis conjunto de los tres niveles de la obra es entonces el siguiente:

• El poder de Dios como el bien siempre triunfará sobre el mal, derrotando a satanás para que finalmente su pueblo pueda ser libre y vivir en santidad apegado a su Dios.

En esta lectura codificada es donde podemos obtener los conceptos de la obra, sin los cuales no puede ser leída y, por lo tanto, tampoco puede ser entendida en su totalidad. Y, como se podrá observar, es indispensable que como espectadores podamos conocer las significaciones de cada elemento para captar todo el mensaje.

Evidentemente aquí el artista conocía todos estos elementos, los supo interpretar al medio pictórico acomodando visualmente cada concepto y otorgándole una composición visual a cada uno para que se pudieran leer en el orden de importancia buscado, es decir:

• El caballero es el primero en importancia, cubre la mayor parte del cuadro y la acción se encuentra ubicada en él.
• El dragón es el segundo en importancia dictada esta por la dirección de la acción del caballero y por ser el segundo en tamaño en el cuadro.
• La doncella y el cordero en tercer y cuarto lugar con el menor tamaño frente a los otros dos y ubicados hasta el extremo izquierdo del cuadro detrás del caballero.

¿Cómo se originó el arte conceptual?

Dicho lo anterior, y comprobando así que toda obra de arte es por naturaleza conceptual, debemos hacer un análisis histórico para entender cómo se llegó al arte conceptual como metodología de trabajo y categoría del arte.

La diferencia del arte conceptual con las producciones artísticas tradicionales o por lo menos las que se ubican previas al siglo XX, es que estas se valían de los procedimientos representativos de las técnicas pictóricas, escultóricas o gráficas para proyectar esos conceptos por medio de los cuales se construía su mensaje.

Pero durante la segunda mitad del siglo XIX y la primera del siglo XX se dieron tres grandes sucesos que permitieron la liberación del arte de sus procedimientos técnicos tradicionales. Estos sucesos fueron los siguientes:

1. La cámara fotográfica: Antes de la llegada de este aparato eran los medios artísticos los encargados de representar la realidad.
   • Cuando la fotografía hace su aparición libera al arte de la responsabilidad de representar esa realidad.
   • Puesto que el aparato ejecutor del producto fotográfico es mecánico y está muy desligado de su operador, ofrece una mayor garantía de objetividad en lo representado, algo que las artes tradicionales tienen como gran debilidad.
2. El cubismo: Desde antes, con la llegada de los impresionistas y tomando en cuenta la presencia de la fotografía, el arte figurativo fue dejando de ser el interés de muchos artistas que deseaban experimentar con la forma y la expresividad de los medios.
   • Si bien son varios los movimientos artísticos que alteraron el realismo, fue el cubismo el punto de no retorno entre lo figurativo y lo abstracto.
3. El dadaísmo: Se desarrolló más o menos a la par del cubismo pero con búsquedas diferentes.
   • Mientras que el cubismo buscaba experimentar con la forma al extremo, el dadaísmo buscaba llegar al extremo de la abstracción en la puesta en escena del arte, en algunos casos quitando por completo la influencia del artista en la pieza presentada, en otros representando sólo por representar, en acciones o piezas simplemente absurdas, donde prima el hecho mismo de realizar la acción y/o de presentar un objeto.
   • Si bien, las pretensiones del dadaísmo no pasaban de ser solo absurdeces, lo que dejó como legado al futuro del arte fue revelar el núcleo mismo de toda obra de arte: la idea, el concepto.

Con todo este contexto histórico y teórico del arte podemos afirmar lo siguiente:

El arte conceptual era una consecuencia necesaria e ineludible en la evolución del arte.

Toda la historia del arte llevo a este momento histórico, donde el arte conceptual existe como método válido de trabajo.

Deca Cast

Si quieres conocer como esto se relaciona con la definición universal del arte puede ver mí artículo sobre ¿Qué es el arte?

Análisis conceptual de una obra de arte conceptual

Ahora toca la revisión de una obra de arte conceptual, para darnos cuenta que una pieza tradicional bien trabajada en sus conceptos, puede ser tan compleja como una pieza de arte conceptual y necesita el mismo monto de trabajo intelectual como cualquier obra de arte.

Esta pieza será “Una y tres sillas” de Joshep Kosuth que se compone de tres elementos: una silla, una fotografía de una silla y la definición de diccionario del concepto .

 

Procederemos a realizar el mismo análisis que hicimos con “San Jorge y el dragón” y veremos los tres niveles de lectura:

• Lectura visual: Vemos colocados los tres elementos sobre una pared blanca, donde la silla física se presenta a lado de la fotografía que la representa, es decir, es la misma silla que vemos físicamente, acompañada de la definición de diccionario ampliada y colocada en bastidor sobre la misma pared.
• Lectura inferida: De lo presentado visualmente podemos concluir que el autor pretende hacer patente tres formas en las que podemos entender lo que es una silla. Y ya, no hay más… son una y tres sillas porque son tres formas de representar una silla.
• Lectura codificada: Un análisis más consciente y profundo de la obra, a partir tan sólo de lo visto, revelaría que esta obra de arte pretende hacernos patente un cuestionamiento sobre lo que consideramos realidad, puesto que estamos viendo tres formas distintas de entender la realidad:
  • La realidad tangible: La silla que está puesta de facto en el lugar, que podemos tocar, ver, recorrer y además utilizarla para lo que fue hecha (pensando en que su uso está orientado a partir del concepto que ha sido abstraído por la mente humana).
  • La representación de la realidad: Donde la fotografía en realidad es solo una abstracción visual de la realidad, que por muy cercana a la manera en que vemos, no deja de ser una ficción que representa una pero no es la silla en sí.
  • La conceptualización de la realidad: La definición de diccionario de pretende ser una generalización de las ideas de integrada en los convencionalismos colectivos de la sociedad. Pero la realidad es que el objeto físico que vemos en la obra por sí mismo no es nada, es la mente humana y el colectivo social aunado a su uso dentro de esa sociedad, lo que le confiere la cualidad de cosa y de una cosa en especifico, pero esa definición solo se ubica en las ideas que ha creado la sociedad. Por otro lado, la universalidad de la definición de no necesariamente pretende indicar que la silla es sólo esa que está en el espacio expositivo de la pieza, puesto que una silla puede presentarse en nuestra mente en diversas formas, modelos y colores.

Entonces, podemos notar que la finalidad última de Joseph Kosuth con esta obra no es solo mostrar irónicamente tres maneras distintas en las que se puede representar una silla, sino la conceptualización general que el ser humano ha hecho del mundo, y nos invita a reflexionar sobre la realidad del mismo, de nuestra realidad, cómo la entendemos y cómo la construimos.

Con todo esto, lo último que me resta por decir es que todo tipo de arte tiene validez, sin importar si a ti no te gusta. Y es que este es uno de los errores que veo más comúnmente en las personas que opinan al respecto:

• No saben desligar su juicio de gusto de su juicio de valor. No porque a ti no te guste un tipo de arte o una obra significa que no vale.

Por otro lado también veo que las opiniones negativas al respecto del arte conceptual son las que provienen de una pereza mental por analizar la obra vista, pretendiendo o deseando recibir un impacto visual como el que recibirán de una pieza de pintura o escultura, alegando que las obras deben coquetearle a sus ojos. Si pasáramos de ese juicio y revisaremos la obra conceptual en sí de forma pormenorizada y analítica, podríamos descubrir todo el subtexto que la integra.

Para finalizar quiero aclarar que no defiendo todas las obras de arte conceptual, porque como en todo, hay cosas buenas y hay cosas malas. Y como tal, hay piezas de arte conceptual que son basura, completamente irrelevantes y desechables, pero no por ello se invalida todo el arte conceptual. La realidad es que la mayoría de las obras de arte que se hacen famosas lo hacen por ser absurdas y los medios las difunden precisamente por eso, pero no son la mayoría, no son la regla.

¿No me crees? Te reto a visitar los museos que promueven este tipo de arte y poner en práctica lo aprendido en este artículo con el afán de descubrir la verdad del arte conceptual, no con la idea de confirmar tus creencias.

No me creas a mi, pero tampoco te creas a ti mismo, deja abierto el camino de tu mente a notar más cosas de las que crees o las que quieres confirmar. Solo así encontrarás la verdad.

El arte no está cerrado a nosotros, nosotros nos cerramos al arte.