Vamos a ser claros desde el inicio: la definición de arte existe y es clara, definitoria y universal… El problema de «qué es el arte» no debe ser tratado como un tabú ni evadir una respuesta concreta a él.

No pretendo tener toda la razón, pero en este artículo trato de establecer una definición concreta basada en investigación, conocimiento empírico e historia. Probablemente esta idea cambie en un futuro, pero en este punto creo que esta definición es la mejor.

Entonces, ¿Qué es el arte?

El arte es toda producción humana creada con el fin de poner frente a un espectador un concepto o idea disociada de su cotidianidad con el objetivo de generarle una reflexión intelectual o una detonación de emociones o una estimulación de sus sentidos.

Deca Cast

Explicaremos, en este artículo, punto por punto como es que se ha llegado a la construcción de esta definición.

Aquí no valen frases tales como:

• “El arte es indefinible”
• “El arte depende del tiempo en que se hace”
• “Cada quién hace su definición de arte”
• “El arte está en quién lo mira”
• “No se puede decir qué es el arte, solo se puede decir lo que no es” (esta me parece de las peores)

Lamentablemente aquellos que se dicen expertos en el tema, como curadores, galeristas, críticos y hasta los mismos artistas, también utilizan estas frases.

Lo único que hacen es acrecentar la incredulidad del público ante nuevas propuestas artísticas con las que se enfrentan en los museos o en otras instituciones culturales.

Por otro lado, y aún más importante:

• Saber definir «qué es el arte» es tener la certeza de saber cuál es la materia de trabajo del artista, igual que un abogado sabe lo que es el derecho y un médico lo que es la medicina.

¿Porqué es importante que exista una definición clara del arte?

No se trata de defender todo lo que se presenta como arte, se trata de entender que es lo que constituye al arte:

• Para formar espectadores críticos pero inteligentes.
• Para formar artistas consientes de las repercusiones de su trabajo.

Lo más importante es entender que el observador de una obra de arte debe reflexionar sobre lo que se le esta presentando como obra de arte si es que realmente quiere dilucidar el mensaje de la pieza. Interpretar la  obra requiere de la participación activa del espectador.

Deca Cast

De esa manera el espectador logrará determinar lo siguiente:

• La validez de la pieza: Si lo que ve es arte o no lo es
• La codificación de la pieza: Identificar el tema y por lo tanto, el mensaje o intención de la obra.
• La reflexión: Generar una crítica propia que no esté influenciada por otros.

Parámetros para una definición del arte 

Para crear una definición universal del arte se necesitan las siguientes características:

• Abarcar toda la historia del arte:
  • Todas las épocas, todos los momentos históricos.
• Abarcar todos los medios y técnicas de creación artísticas:
  • Desde la pintura hasta el arte conceptual.
• Definirse desde lo incluyente y no lo excluyente:
  • Evitar decir lo que no es el arte en vez de decir lo que sí es.

¿Cómo se ha entendido el arte históricamente? Tres momentos clave

1.- Primer Momento…

A lo largo de la historia, el entendimiento de lo qué es el arte ha cambiado según las necesidades creativas de la sociedad y cultura en las cuales se inscribe la producción del artista, pero algo que puede ayudar a generar una idea lo más concreta posible es entender el origen de la palabra misma de «arte», es decir su conceptualización, el origen de su abstracción mental.

Antes que nada es indispensable enfrentarnos a la etimología de la palabra arte:

• Arte, del griego téchnē (τέχνη) hace referencia a todas aquellas labores manuales en la elaboración de un producto, que para ser suficientemente aceptable, su creador debería contar con bastante habilidad en la técnica de elaboración.

Esta definición es aplicada por los filósofos griegos para entender a todos los creadores visuales, marcando el primer punto de inflexión en el entendimiento del arte.

• La téchnē se traslada directamente a la voz latina ars teniendo el mismo significado descrito anteriormente.

Bajo esta premisa, la labor del artista en el mundo antiguo, y básicamente durante todo el periodo histórico de la Edad Media, se entendía muy similar a lo que hoy describimos como manualidad.

• El artista era más bien considerado un artesano, que crea una obra más netamente utilitaria y decorativa antes que ser apreciativa.

En algunos autores de las épocas griegas y helénicas se denota desprecio hacia a los artistas, por el simple hecho de realizar labores manuales, por “trabajar con las manos”, tal y como lo dice Platón en la República.

2.- Segundo Momento…

Es hasta entrado el periodo artístico conocido como Renacimiento (durante los siglos XIV y XV en la Europa Occidental) que la noción del arte como trabajo manual y su estrecha relación con el artesano, cambia:

• El artista ya es considerado como creador de mensajes y no solo de imágenes.
  • Los productores de obras como los pintores, escultores, grabadores -y sus derivados como los ilustradores de manuscritos- ascienden al grado de intelectuales y por tanto también ascienden socialmente.

Por supuesto, la creación de mensajes y el obvio uso de códigos culturales y conceptos para su transformación a un lenguaje visual es algo que siempre hicieron los artistas, pero es hasta ahora que se reconoce como parte de sus procesos creativos.

Además de ello:

• Se le quita lo utilitario a los objetos que creaban los artistas (productos tales como jarrones, muebles, etc.) para integrar a sus creaciones el valor de la contemplación y la reflexión.

Y no quiero dejar de lado a los músicos, los poetas y los dramaturgos que, igualmente antes del Renacimiento, se les consideraba meros amenizadores con cierta gracia.

Todos estaban muy contentos, teniendo una buena y manejable distinción de tres cosas principales respecto al arte:

1. El artista, sólo era alguien con gran habilidad técnica: como es el pintor, el escultor, el grabador, incluso, el arquitecto (este último tenido en gran estima puesto que su labor implica mucha técnica).
2. Los productos del arte eran representativos (realistas): Creaban imágenes tales como los retratos, las representaciones de deidades, representaciones de alegorías (como el bien y el mal), representaciones de hechos históricos, representaciones totalmente imaginarias e ilusorias o de otros mundos, pero siempre tratándolos de hacer parecer como reales.
3. Los valores del arte son la belleza, la correcta realidad de lo representado o lo que es relevante para ser representado en una “obra de arte”.

3.- Tercer Momento…

Durante todo El Renacimiento y hasta finales del Siglo XIX, estos eran los ideales bien cimentados del arte; aspectos incuestionables para la validación y entendimiento del mismo.

Por supuesto, pasaron muchas cosas más al respecto de la definición de lo qué es el arte, dividiendo los tipos de arte, sus categorías y subcategorías en varias y muy distinguidas configuraciones, pero en resumidas cuentas esto es lo que se tenía hasta el momento.

Luego, vino el Siglo XX, precedido por un invento tecnológico que se dio a llamar fotografía y su consecuente influencia en el arte con el impresionismo.

• La fotografía le dio libertad a la pintura: Al ser una tecnología con bastante independencia de su operador y generar imágenes muy realistas, le quitó a la pintura la responsabilidad de reproducir la realidad.
• El Impresionismo comenzó la reestructura de la cultura visual: El interés de los impresionistas se desliga por primera vez de lo realista, lo alegórico, lo bello y lo perdurable, para centrarse exclusivamente en los efectos visuales de la representación a expensas de lo representado, que queda en último lugar.

Es entonces cuando se presenta el tercer punto de inflexión que pondría en jaque el entendimiento del arte, con la llegada del cubismo y, paralelamente, el dadaísmo.

• El Cubismo se convirtió en el puente definitivo hacia la abstracción: Terminó de quitarle a la pintura el peso de la responsabilidad de representar la realidad tal cual es y, se podría decir, que le quitó por completo el aura de enaltecimiento y pureza en la que se le tenía.
  • No llegó a la abstracción total, porque no era su interés, pero planto el punto de no retorno para esa búsqueda que se terminaría de desarrollar con el expresionismo abstracto.
• El Dadaísmo revelaría que el centro de una obra de arte siempre ha sido el concepto: Le vino a quitar lo sagrado a las piezas artísticas que se consideraban “bellas” tan sólo por el hecho de que eran agradables a la vista.
  • El dadaísmo estaba en contra de crear productos supuestamente “artísticos” sólo por exaltar la técnica, la imitación de la realidad y ser atractivos, de manera que abogaba por un arte sin límites en lo que respecta al producto final.
  • Los productos artísticos del dadaísmo no pretendían ser conceptuales, pero su exploración de la forma en los objetos reveló que en lo intrínseco la pieza de arte contiene un mensaje. Ese mensaje viene desde los conceptos que la cultura visual siempre introduce a todos los objetos y formas que vemos y que percibimos en el mundo, incluyendo las creaciones artísticas.

Los 4 parámetros para definir Qué es el arte

Así pues, siendo que no hay restricciones en el uso del medio, la técnica y los temas para crear arte, es indispensable encontrar aquellas características que le son comunes a todos y cada uno de los objetos que se consideran o tienen la posibilidad de ser considerados arte.

• Si una definición no aplica para todas las cosas que pretende englobar, entonces no está funcionando como una definición.

En función de esta búsqueda de características establezco los cuatro parámetros siguientes de indagación para obtener una respuesta a la pregunta «¿qué es el arte?».

1.-El Arte no se Limita a Expresar Sentimientos

La definición más generalizada entre la mayoría de las personas es que el arte es:

• “La expresión del ser humano en la manifestación de sus sentimientos”.

Esta definición pretende dar a entender que el arte es el medio por el cual el ser humano le da salida a su creatividad mediante, claro, la creación de ciertos objetos cuyo fin es hacer patente los gustos e intereses de su autor e incluso sus sentimientos.

Sin embargo, el diccionario nos dice que:

• Expresar es la manifestación de los afectos, mismos que son “cada una de las pasiones del ánimo, como la ira, el amor, el odio, etc., y especialmente, el amor o el cariño” (RAE).

Pero como todos podemos entender:

• No todas las obras de arte pretenden trasmitir nuestros sentimientos, y esta definición en realidad sólo habla de la trasmisión de sentimientos.

No excluyo que en el arte se pueda manifestar el sentimiento humano o la expresividad humana, pero no puede tomarse esto como una definición universal porque en la producción artística no solo han hecho obras que manifiestan sentimientos.

2.-El Artista es un Decodificador de la Cultura

Por otro lado, en su libro The Global Village (Aldea Global), Marshall McLuhan, teórico de la comunicación, establece un sistema para poder entender el proceso de desarrollo de todos los productos humanos.

Este sistema lo nombró The Tetrad (La Tétrada), una estructura de cuatro puntos compuesta por:

• Dos elementos llamados fondos (grounds)
  • Son aquellos ambientes (contextos o condiciones) en los cuales se gesta un producto.
• Dos elementos llamados figuras (figures)
  • Son los efectos (consecuencias) patentes, observables de dicho producto.

Este sistema pretende demostrar como es que por lo general somos conscientes de aquellos efectos que tienen en nosotros los productos que comúnmente utilizamos (el teléfono me permite comunicarme, la cama me permite descansar, etc.) pero tendemos a perder conciencia de las condiciones bajo las cuales funcionan esos productos y damos por sentado que están ahí para servir y que ahí estarán.

Como ejemplo, pongamos nuestros teléfonos celulares:

• Cuando la señal telefónica se cae nos damos cuenta de nuestra dependencia hacia el teléfono y parece que no tenemos cabeza para resolver un problema que nuestros antepasados no tenían complicación en soportar o arreglar.

En este ejemplo del aparatos telefónico:

• La figura 1(a) es el acto de comunicarme por medio del aparato (pues yo soy consciente de que un celular me sirve para comunicarme).
• Mientas que el fondo 1 (b) es el soporte que me da el celular para mantener mi red de conocidos en mi vida personal, pues por lo general no somos conscientes de la cantidad de relaciones sociales que tenemos y de cuanto usamos un aparato para mantener tales relaciones, hasta que se cae la red telefónica.

Así pues, para Marshall McLugan la función de un artista es la siguiente:

• Revelar aquello que damos por sentado (el fondo, los contextos en los que vivimos) para que de esa manera exista una reflexión del hecho que se está haciendo patente
  • El artista convierte el fondo en figura y el medio que utiliza para provocar esto es justamente el arte.
  • El artista se vale de los códigos culturales de la sociedad a la que está inscrito para lograr esta conversión de fondo a figura.

Aquí entra una frase básica en la teoría mediática de McLuhan:

“Los medios, cuando alteran el ambiente, nos provocan series únicas de percepciones… alteran la manera en que pensamos y actuamos… Cuando estas percepciones cambian, la humanidad cambia”.

Entonces, el artista mediante el arte cambia la percepción de una determinada cosa que tenemos por cierta del mundo, a través de su conocimiento, manejo y reestructuración de los códigos culturales.

3.-El Producto Artístico

Finalmente, Arthur C. Danto, escribe una definición del arte en su libro Qué es el arte, en la cual determina que:

• “algo es una obra de arte cuando tiene un significado –trata de algo– y cuando ese significado se encarna en la obra, lo que significa que ese significado se encarna en el objeto en el que consiste materialmente la obra de arte”.

Se confirma que una obra de arte debe:

• Tener un tema de por medio (“trata de algo”)
• Tal tema debe de contenerse en la misma obra de arte (“ese significado se encarna en el objeto…”).

Esta segunda parte de la definición me parece obvia y en parte errónea, primero porque claro está que si en un objeto asumido como arte no tiene un tema, entonces no es arte, y luego, es errónea porque no todas las obras consisten en objetos materiales (como ejemplo: el performance).

Quiero tomar en cuenta sobre todo la primera parte de su definición, pues todas las obras de arte tienen como función comunicar algo y para ello se debe de decodificar el mensaje de la obra.

Damos así por entendido que:

• Quien codifica el mensaje en la obra es el mismo artista, mismo que toma sus temas de lo que observa en su ambiente, en su cultura.
• La cultura es la fuente del código con que el artista estructura su obra de arte (“¿Cómo funciona la comunicación en el arte?“).

4.-Los Objetivos de la Producción Artística

Pero las obras de arte no se limitan a codificar un mensaje (pretender comunicar algo concreto) sino también, como vimos arriba, pueden expresar.

Y ya entrando a los terrenos de la expresividad, que tiene que ver con cómo nos sentimos y con como sentimos, ello nos es indicativo de que las obras de arte también pueden estimular.

Entonces damos por entendido que la codificación en el arte puede tomar acción de tres maneras distintas, dirigidas cada una a tres aspectos diferentes de las percepciones:

• Resignificar – Acción dirigida hacia las percepciones intelectuales:
  • Consiste en transformar los modelos del conocimiento, es decir, transformar la forma en que entendemos racionalmente el mundo.
• Expresar – Acción dirigida hacia la percepción de los sentimientos:
  • Consiste en transmitir o generar empatía en la manifestación de los afectos, con lo cual nos identificamos con los sentimientos de otros o con lo que le artista sentía al hacer su obra de arte.
• Estimular – Acción dirigida hacia la percepción de las sensaciones, emociones y sentimientos:
  • Consiste en activar los sentidos, emociones y sentimientos con metodologías que los pongan de manifiesto.

Finalmente cabe mencionar que para que una obra de arte llegue a cumplir con su finalidad es imprescindible la existencia de un espectador que la reflexione, la viva o la sienta, es decir, alguien que la perciba de manera experiencial. De lo contrario, todo lo que hemos hablado carecería de sentido.

La Definición de Arte

Con todo esto tenemos ya los elementos suficientes para poder determinar una definición clara y concreta de qué es el arte.

Tal como fue expresado al inicio de este artículo:

El arte es toda producción humana creada con el fin de poner frente a un espectador un concepto o idea disociada de su cotidianidad con el objetivo de generarle una reflexión intelectual o una detonación de emociones o una estimulación de sus sentidos.

Deca

Quiero aclarar además, que esta definición nos permite entender las obras de arte, pero también nos permite reconocer a una obra de arte.

Con esto podemos darnos cuenta de que no todo lo que se expone en un museo o galería es necesariamente arte.

• El espectador debe reflexionar sobre lo que esta experienciando y no dejarse llevar por lo que una institución artística quiere imponer como arte cuando no lo es.

He aquí una respuesta que he construido mediante una larga reflexión que me parece una clara necesidad, pues es sumamente ocioso, comodino e irresponsable por parte de artistas, teóricos, críticos, curadores y galeristas el no querer tener una definición de arte, aunque esta sea muy personal, aunque esta sólo aplique para su producción (en el caso de los artistas), porque, insisto: entonces no sabes a que te dedicas y peor aún, no sabes orientar a aquel que observa arte. De otra manera no tiene sentido quejarse de la ignorancia cuando uno mismo la provoca.

Aplicando el Concepto…

Para terminar, es necesario hacer una demostración de la funcionalidad de esta definición, de otra manera el acto quedaría incompleto.

Para esto tomaremos de base tres periodos históricos del arte y una obra artística en específico correspondiente a cada periodo histórico que se trate.

Iglesia Gótica de Sainte Chapelle

Comenzaremos con la Edad Media, donde básicamente el arte no era considerado más que artesanía y tenía una función definida para poder enseñar a los fieles cristianos sobree su dogma y creencias.

En esos tiempos se tenía la firme creencia de que la imagen de un santo contenía realmente al santo, de manera que estar frente a su figura (escultura o pintura) era estar presente con una deidad y su poder; esta es la definición original de lo que es un ícono.

Se puede decir que durante este periodo se pretendía que el espectador tuviera la percepción de estar relacionado con su mismo Dios de manera íntima y a su vez, sentir su poder.

Esta percepción de intimidad con el Dios y su poder, seguramente se veía muy acrecentada al estar, por ejemplo, en un recinto como es la iglesia gótica de Sainte-Chapelle, en París, cuyas galerías están llenas de vitrales con cientos de figuras de santos.

El aura o ambiente que se genera ahí adentro cuando la luz pasa por los vitrales no puede ser omitida, además de que la grandiosidad del recinto es de mucha importancia para generar toda la experiencia, pues estos recintos afectan notablemente nuestras percepciones y sensaciones.

Es decir, aquí la experiencia era sensorial y emocional y el mensaje era: la unidad con el todopoderoso que en su inconmensurabilidad te rodea y contiene.

Vanidad, de Juriaen Van Streek

Un género pictórico muy famoso fue el llamado Vánitas desarrollado durante el siglo XVII en Flándes y Holanda.

Consistía mayoritariamente en bodegones (género pictórico que representa sobre todo alimentos o enseres de cocina que se almacenaban en bodegas para su preservación) con manjares suntuosos pero siempre acompañados por objetos que simbolizaban la muerte.

Este género surge como un recordatorio de la fugacidad de la vida y lo banal de llenarse de riquezas cuando en la muerte no nos llevaremos nada. Por lo que se puede decir que el Vanitas pretendía hacernos percibir una valoración moral de la vida.

En el cuadro Vanidad, de Juriaen van Streeck, vemos colocado un casco de rango militar alto, a su lado un cráneo y al otro la tragedia de Elektra, todo esto con cargas simbólicas muy grandes. El espectador debe valerse de sus conocimientos para interpretar, pero además, el aura del cuadro es muy melancólica, triste, lo vemos en la oscuridad en que se representa la escena, misma que expresa tales sentimientos.

El fin de esta obra era resignificar los valores que se le estaban dando a las riquezas y traer del fondo a la superficie el hecho de esta vanalidad, recordarte que por mas que tengas posesiones, te vas a morir.

I´m here, but nothing (Estoy aquí, pero nada) de Yayoi Kusama

Finalmente pasemos a algo más polémico, como lo es el arte contemporáneo, específicamente el arte pop.

Este movimiento artístico desarrollado durante la década de 1960 se vale de los productos culturales populares y su característica cultura visual para poder crear sus obras de arte.

El arte pop nos revela la cotidianidad de los productos visuales en nuestra vida y la belleza que pueden contener en ese diseño, algo que definitivamente se pasa desapercibido cuando adquirimos un producto, cualquiera que sea, porque son tan contidianos que no dectamos sus peculiaridades.

Tomemos como ejemplo una de la obras de Yayoi Kusama, quien presentó exposición en México y para muchos, no versados en las artes, era una cosa incompresible pero sumamente curiosa.

Su instalación I’m Here, But Nothing (Estoy aquí, pero nada) evidentemente nos muestra un lugar cotidiano como es una sala, pero que está iluminada con luz negra y una serie de puntos de colores neón brillan gracias al tipo de iluminación en el recinto.

Es este un claro ejemplo de cuando una obra está apelando única y exclusivamente a la estimulación de las sensaciones. Es claro que Yayoi quiere que notemos la comodidad que notamos siempre en nuestra sala, pero se le une el cambio de ambiente producido por la luz negra y los puntos neón, que sin duda estimulan nuestros ojos y cambian el modo en que percibimos el ambiente de ese espacio, pues sin duda se siente diferente y psicodélico. Y no hay más, ese es el mensaje… o más bien, la sensación.

Para terminar

Y no quiero dejar la duda sobre las artesanías, esas por supuesto que también son arte cuando cumplen con la definición dada, cuando tienen un tema y pretenden que con lo que está escrito, dibujado, decorado o grabado en ellas se transmita un mensaje, percepción, sensación sobre nuestra cultura.

No por nada estos objetos utilitarios se han utilizado como lienzos para plasmar los mitos, un ejemplo claro de ello es la orfebrería griega.

Por supuesto el tema de lo qué es el arte da para la redacción de un libro o muchos, pero he tratado de ser breve en la explicación y espero esto sirva para poder ver cada obra de arte en los museos con una nueva mirada, desde el David de Miguel Ángel hasta la obra más curiosa de Joseph Koons o Robert Morris.

Tampoco pretendo que mi definición sea la última y definitiva y es por eso que también les invito a ver otras opiniones tales como las presentadas en el documental El Espejo del Arte de Pablo Jato, quien también tiene un canal de YouTube donde presenta las entrevistas completas realizadas para el documental.